Требования консерватизма. Консерватизм — что это, кратко и понятно

Ту же эволюцию, что и скульптура, проходит живопись раннего Возрождения. В эпоху Возрождения было построено немало известных мировых памятников архитектуры. Раннее Возрождение (XIV-Xv вв.) в искусстве Италии связано прежде всего с Флоренцией, где Медичи покровительствовали гуманистам и всем искусствам. Огромная роль, которую в архитектуре Раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре - Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо (1401-1428).

В начале XV в. флорентинская школа - авангард гуманистического искусства Возрождения. Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Возрождения. Сюжеты языческие и христианские переплетаются, трансформируются, сообщая специфически сложный характер культуре Возрождения.

Если в эпоху Проторенессанса художник работал, основываясь на интуиции, то время Раннего Возрождения выдвинуло на первый план точные научные знания. Первым теоретиком в области живописи и архитектуры выступил Леон Баттиста Альберти (1404-1472). Искусство Возрождения, главной темой которого стал человек-герой, постепенно распространилось по всей Италии.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре

Имя Альберти по праву считается одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения. Его теоретические сочинения, его художественная практика, его идеи и, наконец, сама его личность гуманиста сыграли исключительно важную роль в становлении и развитии искусства Раннего Возрождения.

В искусстве Венеции еще долго господствовали византийские традиции и готическое влияние. Влияние творчества Донателло на развитие итальянского искусства эпохи Возрождения было огромным. Суровое и мужественное искусство Мазаччо оказало огромное воздействие на художественную культуру Возрождения, в частности, на творчество Пьеро делла Франческа и Микеланджело.

В основе искусства Боттичелли в отличие от большинства мастеров Раннего Возрождения лежало личное переживание. История стилей в искусстве и костюме. В XV в. итальянское Возрождение вступает в период кватроченто, когда основные принципы «нового стиля» становятся господствующими. Раннее Возрождение характеризуется возникновением и подъемом различных территориальных художественных школ, их активным взаимодействием и борьбой.

Собор Святого Петра

Дух раннего Возрождения проявился также в интересе к античности, к ее идеям и образам, к сюжетам языческой мифологии, обращение к которой в Средние века было запрещено.

После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Не менее реалистична трактовка сцены «Изгнание из рая», где впервые в живописи Возрождения изображены обнаженные фигуры, мощно моделированные боковым светом. Впоследствии идеи Возрождения распространились по всей Европе.

Эта работа Брунеллески оказала огромное влияние на дальнейшее развитие архитектуры не только в самой Италии, но и во всей Европе. Другой узнаваемый шедевр архитектуры эпохи Возрождения – это кафедральный собор Флоренции. Также здесь хранится немало реликвий и произведений искусства, в том числе знаменитая «Пьета» Микеланджело.

Возникает новый критерий оценок прекрасного, в основе которого лежит сходство с природой и чувство соразмерности. В искусстве особое внимание уделяется пластической проработке форм и рисунку. В XV веке итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая назрела в искусстве треченто.

Сандро Боттичелли

Однако влияние античности наслаивается на многовековые и прочные традиции Средневековья, на христианское искусство. Искусство стало выполнять роль универсального познания окружающего мира. В XV в. появился целый ряд научных трактатов об искусстве.

Им была разработана теория линейной перспективы, правдивого изображения глубины пространства в картине. Мечты гуманистов об «идеальном городе» легли в основу новых принципов градостроительства и архитектуры. В зданиях этого периода на первый план выступает ощущение гармонии. Родоначальником ренессансной архитектуры Италии стал Филиппо Брунеллески (1377-1446) - архитектор, скульптор и ученый, один из создателей научной теории перспективы.

Купол собора Санта-Мария дель Фьоре стал предшественником многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы. Брунеллески одним из первых в зодчестве Италии творчески осмыслил и оригинально истолковал античную ордерную систему и положил начало созданию купольного храма на основе античного ордера. Одним из главных достижений итальянской архитектуры XV в. стало создание нового типа городских дворцов, послужившего образцом для общественных зданий более позднего времени.

Особое место в истории итальянского зодчества занимает Леон Баттиста Альберти (1404-72). На севере Италии развитие ренессансного искусства шло иными путями. Ломбардо и Кодуччо строили в Венеции и культовые здания. В XV в. итальянская скульптура, приобретшая самостоятельное, независимое от архитектуры значение, переживает расцвет. В практику художественной жизни начинают входить заказы богатых ремесленных и купеческих кругов на украшение общественных зданий; проводятся художественные конкурсы.

Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, блестящий рисовальщик, Гиберти посвятил свою жизнь одному виду скульптуры - рельефу. Главным принципом своего искусства Гиберти считал равновесие и гармонию всех элементов изображения. Мастерская Гиберти стала школой для целого поколения художников, в частности, там работал знаменитый Донателло, великий реформатор итальянской скульптуры.

Кватроченто (или Раннее Возрождение) стало временем экспериментальных поисков. Третий том «Всеобщей истории искусств» целиком посвящён искусству эпохи Возрождения. Особое место в живописи Раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (1445-1510), современнику Леонардо да Винчи и молодого Микеланджело.

В течение ста лет после смерти Джотто во Флоренции не было ни одного столь же одаренного художника, как он. Лучшие из последующих мастеров сознавали свою неполноценность, но не видели иного пути, кроме усиленного копирования и искажения Джотто. Джотто опередил свое время, и лишь через сто лет другой флорентиец – Мазаччо (1401-1428) - поднял искусство на еще более высокую ступень.

Менее десяти лет творчества были отпущены ему судьбой. Но и за это короткое время ему удалось совершить, по оценке современников, «настоящий переворот в живописи». Во Флоренции он расписал два крупнейших собора - церковь Санта-Мария Новелла и капеллу Бранкаччи в церкви Санта-Мария дель Кармине.

Преемник Джотто, Мазаччо всегда стремился к построению пространства по законам перспективы, передавая реальные объемы на плоскости. Но его новаторство не ограничивалось только освоением перспективы. Его привлекало изображение окружающего мира, подражание естественной природе. Искусствовед А. К. Дживелегов отмечал новаторский характер его творчества: «Живопись до Мазаччо и живопись после Мазаччо- две совершенно различные вещи, две разные эпохи. Джотто открыл тайну передачи ощущений человека и толпы. Мазаччо научил изображать человека и природу... Он совсем освободился от стилизации. Горы уже не заостренные, уступчатые голыши, а настоящие горы. Они то принимают мягкие очертания отрогов Апеннин... либо складываются в суровый скалистый пейзаж... Земля, на которой стоят люди,- настоящая плоскость, на которой действительно можно стоять и которую глаз может проследить до заднего фона. Деревья и вообще растительность- уже не бутафория, то стилизованная, то просто выдуманная, а сама природа... Если люди, фигурирующие на картине, вздумают войти в дома, от этого не произойдет никаких неудобств: крыши они головами не прошибут, стен плечами не развалят. Мазаччо стал смотреть, как все происходит в действительности. Тогда сами собою отпали и условные позы, и неестественные факты, и выдуманный пейзаж».

Главными сюжетами росписей Мазаччо были жизнь и деяния апостолов, Иисуса Христа, сцены сотворения мира. Таковы фрески «Изгнание Адама и Евы из рая» (1427-1428) [Приложение 3] и «Чудо со статиром» (1427-1428) [Приложение 4] в церкви Санта-Мария дель Кармине. Одна из ранних картин Мазаччо «Мадонна с младенцем и ангелами» [Приложение 5], была задумана как центральная часть большого алтаря для церкви Санта-Мария дель Кармине. На высоком троне, помещенном в глубокой нише, восседает Мария с младенцем на руках. Золотой фон, нимбы на головах, ниспадающие скидки одежды придают особую торжественность изображенному. В картине поражает новизна художественного решения. Ни у одного из мастеров XV в. не встретится такой четкости в передаче глубины пространства, "достигнутой благодаря геометрически точному сокращению размеров трона. Фигуры естественным образом вписаны в архитектурное пространство с готической аркой и классическими колоннами трона.

«Троица» [Приложение 6] - одно из последних и совершенных творений Мазаччо, в котором была предложена абсолютно новая трактовка сюжета ветхозаветной Троицы. В трехмерном пространстве художник показывает реальные фигуры Бога Отца, Христа и Святого Духа, символически воплощающие образ мира, созданный человеческим разумом. В умении распределять свет и тени, в создании четкой пространственной композиции, в объемности и осязаемости фигур Мазаччо во многом превосходит своих современников. Показывая обнаженное тело Христа, он придает ему идеальные, героические черты, возвеличивает его мощь и красоту, прославляет силу человеческого духа. Внутри капеллы у подножия креста стоят Дева Мария и апостол Иоанн. Лицо матери Христа, лишенное привычной красоты, обращено к зрителю. Являясь связующим звеном между Богом и человеком, она сдержанным жестом руки указывает на распятого Сына. В этой в целом статичной композиции жест Марии - единственное движение, символически организующее пространство. Перед аркой, у входа в капеллу, изображены в профиль коленопреклоненные мужчина и женщина - заказчики росписей для церкви.

Художественное единство Мазаччо, так же как и у великого Джотто, основателя новой итальянской живописи - было не тождеством с реальной действительностью, но представляло собой нечто стоящее выше нее, нечто долженствующее быть не копией этой действительности. Явление это становится более ясным при анализе изображения отдельных фигур, чем всей композиции в целом. И фрески капеллы Бранкаччи в этом отношении более всего отражают новую эпоху. Гигантская пропасть отделяет мощные фигуры Христа и его учеников от изящных костюмированных кукол из произведений непосредственно предшествующего периода. Исчезли не только драгоценные модные одеяния и занимательные подробности, но и все попытки воздействовать на зрителя при помощи правдоподобия в передаче реальных предметов, взятых из действительности: на фреске запечатлено вневременное, вечно человеческое существование, возникающее перед нами так же, как и у Джотто, и опять-таки - совершенно по-другому, чем у него. Обычно это различие определяется как иное ощущение формы. То, что можно увидеть на фресках Мазаччо, представляет собой типичность, возвышенную с помощью интенсивного изучения природы. Реальные формы, лежавшие в основе старых иконографических схем, оказались настолько обогащенными новым знанием, что они представляются уже не мертвыми формулами, а живыми людьми. Далекие от стройных и грациозных, изображенных в живом движении образов периода позднего треченто, фигуры эти напоминают нам мощных персонажей Джотто. Так же как и в античном искусстве, здесь тяжесть и безжизненность тела преодолеваются с помощью жизненной энергии, и это равновесие служит источником нового ощущения формы и источником того, что должно служить самым главным содержанием художественного изображения человеческой фигуры. И в то же время это и есть преодоление готики.

Персонажи Мазаччо гораздо более независимы, чем персонажи Джотто, поэтому они полны нового понимания человеческого достоинства, выраженного во всем их облике. Это понимание основывается на отражении некой духовной силы, оно опирается и на осознание героями Мазаччо собственной мощи и свободы воли. В этом кроется момент некоторого их обособления. Ибо в какой бы степени ни участвовали все эти персонажи священной истории в изображаемых событиях, все же они характеризуются не только своим отношением к этим событиям, но и собственной индивидуальной значимостью, что и придает им характер торжественности. Но это обособление выражается еще и в композиционной роли отдельных фигур. Джотто расчленил на отдельные фигуры традиционную средневековую массовую группу участников какого-нибудь события; у Мазаччо, напротив, группы строятся из отдельных, совершенно самостоятельных фигур. Каждая на этих фигур кажется абсолютно свободной в своем положении в пространстве и в своем пластическом объеме. Весь художественный процесс протекает у Мазаччо иначе, чем в искусстве предшествующего ему периода. Джотто, как и средневековые художники, отталкивается в своих композициях от общей концепции, в которой отдельным фигурам отводятся определенные функции содержания и формы, определяющие их характер. Композиции Мазаччо наделены особым своеобразием - для нее характерно то, что, несмотря на все достижения в изображении фигур и пространственного окружения, связь их между собой не стала теснее, чем раньше, но, напротив, ослабла.

Изображение пейзажного отрезка пространства стало более согласным с чувственным опытом. Те случайные успехи в соблюдении перспективы в период треченто, заменяются универсальной и более точной системой перспективы. У Джотто все - и пространство и фигуры - состоит из одного куска и построено как некое единство, здесь плоскость и пространство неразрывно переплетаются между собой. Это абсолютное единство, замыкающее собою все элементы композиции и создающее прочную структуру произведения, заменяется у Мазаччо (и еще более у его последователей) несколько условными связями. Это видно в разделении изображения на три сцены. Вследствие этого возникает дуализм фигуры и пространства. Этот дуализм еще сильнее бросается в глаза у более поздних мастеров периода кватроченто, чем у Мазаччо, у которого несколько сильнее чувствуется джоттовская композиция; у поздних мастеров этот дуализм приводит к противопоставлению пейзажного фона и фигур в плоскости. Этот дуализм основывается на том, что тело и пространство предстают как отдельные комплексы изобразительных средств. Вследствие этого картины становятся сопоставлением пространства и отдельных фигур, причем фигуры, как наиболее важная составная часть этого сложного единства, обладают преимуществом.

Без этого факта невозможно добиться понимания характера развития искусства в период кватроченто. Композиционные правила в течение всего ХV столетия меняются в незначительной степени - соответственно с этим сохранилось очень немного набросков композиций, - но зато в изображении фигур и в изображении пространства наблюдается непрерывный интенсивный прогресс, о котором говорят не только законченные произведения, но - в гораздо большей степени - многочисленные этюды и рисунки. Великим деянием Возрождения как раз было не «открытие мира и человека», а открытие материальных закономерностей. Исходя из этого открытия, которое самым тесным образом соприкасается с античным пониманием мира, смысл и содержание всего последующего развития искусства заключались теперь в задаче нового осмысления изображения и нового завоевания мира. Изображение человека как самого важного и ответственного комплекса должно было выдвинуться на передний план художественных интересов, и именно в этой области можно наблюдать дальнейшее совершенствование нового стиля. Насколько короток отрезок времени, отпущенный Мазаччо жизнью для создания фресок в капелле Бранкаччи, настолько же и велик прогресс, совершившийся за этот промежуток.

В узкой фреске «Святой Петр, исцеляющий своей тенью», [Приложение 7], Петр, погруженный в свои мысли, в сопровождении святого Иоанна проходит через квартал бедняков, и тень его исцеляет больных, расположившихся у стены дома. Взволнованность больных - она представлена различными оттенками, столь же прекрасна по замыслу, сколь прекрасна величавая поступь святого. Одежды святого - так же как и у Джотто - все еще касаются земли, чего, однако, Мазаччо обычно избегал. чтобы яснее охарактеризовать мотивы покоя и движения. Но и мешковатая одежда, при изображении которой лишь редкие складки в границах больших плоскостей создают пластическое оживление, напоминает Джотто. Признаки реализма искусства позднего треченто можно найти и во второй сцене, где изображены святые Петр и Иоанн, раздающие милостыню. На этот раз изображена окраина города: здесь кончаются улицы, и лишь отдельные постройки предваряют поле. Сюда собрались бедняки, чтобы получить от святых скромные дары. Ничего подобного, конечно, не бывало ранее в итальянской живописи: благодаря своему величию и свободному стилю они напоминают классические одетые фигуры и свидетельствуют о том, что стремление изобразить одежду в ее естественной функции привело художника не только к подражанию античным образцам, но и к постижению художественного смысла античной одежды. И не только этого величия, но и лежащего в его основе понятия красоты и совершенства, - этому нас может научить фреска, расположенная над описанной выше и изображающая святого Петра, совершающего обряд крещения. Событие это происходит в пустынной гористой местности, мощные формы которой подчеркивают значительность сцены. Обращенные собрались полукругом возле святого, приступающего к крещению в воде коленопреклоненного человека. Уже все ХV столетие восхищалось фигурой обнаженного, кажущегося дрожащим от холода юноши среди свидетелей крещения, - но большего внимания заслуживает группа святого Петра и коленопреклоненного. Джотто в «Крещении Христа» [Приложение 8] изобразил нагого Спасителя: фигуру стоящего изможденного человека; во фреске же Мазаччо в искусство вновь введено прекрасное мужское тело, подобное античной статуе, введен классический идеал телесной красоты и совершенства. Мазаччо будто воспользовался античным образцом при изображении тела, - и все же, невзирая на некоторые противоречия, которые становятся заметными лишь при внимательном изучении, вся фигура коленопреклоненного воспринимается в целом как свободное состязание с античным изображением обнаженного тела. Чтобы вступить в подобное состязание с равными силами, недоставало еще, правда, - и об этом свидетельствует «Изгнание из рая» [Приложение 3] - точных знаний живого организма. Тяжелая, безнадежная поступь людей, оставляющих за воротами утраченное блаженство, кажется неуклюжей; в преодолении этой скованности и состояла проблема, которую предстояло разрешить. Знание анатомии человеческого тела Мазаччо приобрел, работая с натурой и изучая произведения классической скульптуры; он отказался в своем творчестве от декоративности и условности, присущих готическому искусству. Фигуры, трехмерность которых передана посредством мощной светотеневой моделировки, соотнесены по масштабу с окружающим их пейзажем, написанным с учетом световоздушной перспективы.

Таким образом, можно сделать вывод, что Мазаччо был великим мастером, понимавшим сущность живописи, он был в высокой степени одарен умением передавать осязательную ценность в художественных образах.

Мазаччо был достойным преемником Джотто, чье искусство он хорошо знал и тщательно изучал. Джотто приобщил его к монументальным формам, научил изображать то, что важно и значительно с позиций высокого художественного единства. Искусство Мазаччо содержит в себе всю программу новой ренессансной живописи - человек как центр мироздания

В отличие от Джотто характерной чертой для творчества Мазаччо является более точное изучение природы. Так же он первым в живописи изображает обнаженное тело и придает человеку героические черты. В живописи более позднего времени можно обнаружить большее совершенство деталей, но в ней не будет прежнего реализма, силы и убедительности. Знание анатомии человеческого тела Мазаччо приобрел, работая с натурой и изучая произведения классической скульптуры; он отказался в своем творчестве от декоративности и условности, присущих готическому искусству.

Для Мазаччо характерно рациональное, трехмерное, построенное по правилам перспективы пространство, светотеневая обработка формы, делающая ее выпуклой и объемной, усиление пластики формы через цвет. Фигуры, трехмерность которых передана посредством мощной светотеневой моделировки, соотнесены по масштабу с окружающим их пейзажем, написанным с учетом световоздушной перспективы.

Мазаччо был великим мастером, понимавшим сущность живописи, он был в высокой степени озарен умением передавать осязательную ценность в художественных образах. Концепцию художника выражает высказывание одного из его современников: фреска или картина является окном, через которое мы видим мир.

Заключение

В эпоху Возрождения от живописи ждали изображения новых людей, предназначенных для великих целей. Объектом пристального внимания историков по-прежнему остается один из главных центров ренессансной культуры - Флоренция. Ведь именно в ней ранее, чем в других городах-государствах, сложились предпосылки для смены культурных эпох, зародились ренессансные гуманистические идеи, создавали свои величайшие творения писатели, художники, архитекторы, скульпторы. И в ней же необычайно интенсивно пульсировала общественная жизнь, втягивавшая в себя практически все взрослое мужское население, для которого заботы образования, воспитания, культуры оказались далеко не последними.

На мировоззренческие ориентиры ренессансной культуры Италии повлиял психологический климат городской жизни. В ориентированной на светские дела купеческой морали стали преобладать новые максимы - идеал активности человека, энергичных личных усилий, без которых нельзя было добиться профессионального успеха, а это шаг за шагом уводило от церковной аскетической этики, резко осуждавшей стремление к накопительству. Низовая городская среда была наиболее консервативна, именно в ней прочно сохранялись традиции народной средневековой культуры, которая оказала определенное воздействие на культуру Ренессанса.

Новаторство Джотто проявилось в трех основных чертах его творчества, которые потом продолжали развивать его последователи. С одной стороны, совершенствовались красота линий, использовались различные слияния красок. С другой стороны, большое значение приобретает повествовательный элемент. Так же, фигуры и сцены, заимствованные из жизни, связываются с поэтическим осмыслением целого, и, таким образом, из этого источника также проистекает множество реалистических мотивов, таких как правдивость, в изображении природы, и т. д. Само понимание человека у Джотто было согласным с природой. Для Джотто важно изображение движения и действия. Группировка фигур и их жесты полностью подчинены смыслу изображаемого. Линией и светотенью, выражающими всю значительность события, взглядами, обращенными к небу или опущенными вниз, говорящей без слов жестикуляцией, исходя из простейшей живописной техники, без знания анатомии Джотто дает изображение движения.

Мазаччо подобен Джотто, но Джотто, родившемуся на столетие позже и попавшему в благоприятные для себя художественные условия. Он указал флорентийской живописи путь, по которому она шла вплоть до своего заката. Этот путь заключается в умении распределять свет и тени, в создании четкой пространственной композиции, в силе, с которой он передает объемность, Мазаччо намного превосходит Джотто. В живописи более позднего времени можно обнаружить большее совершенство деталей, но в ней не будет прежнего реализма, силы и убедительности.

Мазаччо сделал следующий после Джотто решающий шаг в создании собирательного образа человека, освободившегося отныне от религиозно-этической подосновы и проникнутого новым, подлинно светским мироощущением. Он по-новому использовал возможности светотени, моделирующей пластическую форму.

В целом, феномен Возрождения – это весьма многогранное явление в культурном развитии Европы, стержнем которого было новое мировоззрение, новое самосознание человека. В этот период искусство развивается так стремительно, как не развивалось никогда ранее. Каждый художник добавляет что-то свое, свою неповторимую черту в развитие живописи этого периода. Поэтому великие произведения искусства, созданные даже в отдаленной эпохе, не только не утрачивают своего значения, но обретают новые оттенки в осмыслении своего содержания, нравственно-этической проблематики. Художественные формы, понятые с позиций нового времени, общечеловеческие ценности, заключенные в них, волнуют во все времена.

Список используемой литературы:

Арган Дис. К. История итальянского искусства Пер. с ит. В 2т. Под науч. ред. В.Д. Даисиной - М,: Изд. Радуга, 1990.- 319с.

Берестовская Д.С. Художественная культура эпохи Возрождения. - Симф., 2002.- 143 с.

Бернсон Б. Живописцы итальянского Возрождения, пер. с англ. Белоусовой Н. А., Тепляковой И. П. – М.; Изд. Б.С.Г.-Пресс, 2006.-

Брагина Л.М. Итальянский гуманизм - М.: Высш. Школа, 1977.- 252 с.

Буркхард Я. Культура Италии в эпоху Возрождения.

Гуковский М.А. Итальянское Возрождение. - Л.: ЛГУ, 1990.-618 с.

Дворжак М., История итальянского искусства в эпоху Возрождения. Т.1. – М.: Изд. Искусство, 1971. – 392 с.

Дмитриева И. А., Краткая история искусств. – М.: Изд. Искусство. – 1991. – 318 с.

Лазарев В.Н, Всеобщая история искусств. - Т. 3. - М.: Изд. Искусство.- 1962. – 510 с.

Лазарев В.Н. Начало Раннего Возрождения в итальянском искусстве. - М.: Изд. Искусство, 1979. – 200 с.

Лонги Р., От Чимабуэ до Моранди. – М.: Изд. Радуга. – 1984. – 352 с.

Нессельштраус Г. Ц., История искусства Зарубежных стран. Средние века. Возрождение. – М.: Изд. Искусство, 1982. – 418 с.

Степанов А. В., Искусство эпохи Возрождения. Италия XIV-XV век. –СПб.: Изд. Азбука – классика. – 2003. – 500 с.

Ротенберг Е.И. Искусство Италии. Средняя Италия в период Возрождения.-М., 1974. – 310 с.

Приложение 1. Джотто «Поцелуй Иуды».

Фреска.

Приложение 2. Джотто «Оплакивание Христа»

Фреска.
Капелла Скровеньи (капелла дель Арена), Падуя

Приложение 3. Мазаччо «Изгнание Адама и Евы из рая».

Фреска.

Приложение 4. Мазаччо «Чудо со статиром»

Фреска.
Церковь Санта-Мария дель Кармине (Капелла Бранкаччи), Флоренция

www.school.edu.ru

Приложение 5. Мазаччо «Мадонна с младенцем и ангелами»

Дерево, темпера.
Национальная галерея, Лондон

www.school.edu.ru

Приложение 6. Мазаччо «Троица»

Фреска.
Церковь Санта-Мария Новелла, Флоренция

www.school.edu.ru

Приложение 7. Мазаччо «Святой Петр, исцеляющий своей тенью»

Фреска.
Церковь Санта-Мария дель Кармине (Капелла Бранкаччи), Флоренция

www.school.edu.ru

Приложение 8. Джотто «Крещение Христа»

Фреска.
Капелла Скровеньи (капелла дель Арена), Падуя

www.school.edu.ru

1. Искусство эпохи Возрождения (4)

   Реферат >> Культура и искусство

   Реферат на тему: «Искусство эпохи Возрождения» Выполнила студентка группы ЭК- ... -XIII – XIII-XIV вв.), Раннее Возрождение (кватроченто XIV-XV вв.), Высокое... сюрреалистов. Крупнейшим мастером Северного Возрождения в изобразительном искусстве был Альбрехт Дюрер. ...

2. Культура эпохи Возрождения Ренессанса

   Контрольная работа >> Культура и искусство

   Джованни Пизано. в начало ИСКУССТВО РАННЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный... , почти портретен. Это типичная черта искусства раннего Возрождения , обусловленная стремлением художника освободиться от...

3. Культура эпохи Возрождения XIV-XVI XVII вв.

   Реферат >> Культура и искусство

   ... искусство Раннего Возрождения было сложным, противоречивым и эта противоречивость вела его вперед. В искусстве Раннего Возрождения , ... усовершенствовали масляную технику.Венецианское искусство завершает развитие искусства раннего

Ренессанс - это феноменальное явление в истории человечества. Никогда больше не было такой блистательной вспышки в сфере искусства. Скульпторы, архитекторы и художники эпохи Возрождения (список их велик, но мы коснемся самых известных), имена которых известны всем, подарили миру бесценные Уникальные и исключительные люди проявляли себя не на одном поприще, а сразу на нескольких.

Живопись эпохи раннего Возрождения

Эпоха Ренессанса имеет относительные временные рамки. Раньше всего она началась в Италии - 1420-1500 года. В это время живопись и все искусство в целом мало чем отличается от недавнего прошлого. Однако начинают впервые появляться элементы, позаимствованные из классической древности. И только в последующие годы скульпторы, архитекторы и художники эпохи Возрождения (список которых очень велик) под влиянием современных условий жизни и прогрессивных веяний окончательно отказываются от средневековых основ. Они смело берут на вооружение лучшие образцы античного искусства для своих произведений, как в целом, так и в отдельных деталях. Имена их известны многим, остановимся на самых ярких личностях.

Мазаччо - гений европейской живописи

Именно он внес огромный вклад в развитие живописи, став великим реформатором. Флорентийский мастер родился в 1401 году в семье художественных ремесленников, поэтому чувство вкуса и стремление творить было у него в крови. В возрасте 16-17 лет он переехал во Флоренцию, где работал в мастерских. Его учителями по праву считаются Донателло и Брунеллески - великие скульпторы и архитекторы. Общение с ними и перенятые навыки не могли не сказаться на юном живописце. У первого Мазаччо позаимствовал новое понимание человеческой личности, характерное для скульптуры. У второго мастера - основы Первой достоверной работой исследователи считают «Триптих Сан Джовенале» (на первом фото), который был обнаружен в небольшой церкви недалеко от городка, в котором родился Мазаччо. Главным же произведением являются фрески в посвященные истории жизни Св. Петра. Художник участвовал в создании шести из них, а именно: «Чудо со статиром», «Изгнание из рая», «Крещение неофитов», «Раздача имущества и смерть Анании», «Воскрешение сына Теофила», «Святой Петр исцеляет больного своей тенью» и «Святой Петр на кафедре».

Итальянские художники эпохи Возрождения - это люди целиком и полностью посвятившие себя искусству, не обращавшие внимания на обычные житейские проблемы, что порой приводило их к бедному существованию. Не исключение и Мазаччо: гениальный мастер умер очень рано, в возрасте 27-28 лет, оставив после себя великие произведения и большое количество долгов.

Андреа Мантенья (1431-1506)

Это представитель падуанской школы живописцев. Основы мастерства он получил от своего приемного отца. Стиль же формировался под влиянием работ Мазаччо, Андреа дель Кастаньо, Донателло и венецианской живописи. Это определило несколько жесткую и резкую манеру Андреа Мантенья по сравнению с флорентинцами. Он был собирателем и знатоком произведений культуры античного периода. Благодаря своему стилю, не похожему не на один другой, он прославился как новатор. Его самые известные работы: «Мертвый Христос», «Триумф Цезаря», «Юдифь», «Битва морских божеств», «Парнас» (на фото) и т.д. С 1460 года и до самой смерти он работал придворным художником в семье герцогов Гонзага.

Сандро Боттичелли(1445-1510)

Боттичелли - это псевдоним, настоящая фамилия - Филипепи. Путь художника он выбрал не сразу, а первоначально обучался ювелирному мастерству. В первых самостоятельных работах (несколько «Мадонн») чувствуется влияние Мазаччо и Липпи. В дальнейшем он прославил себя так же в качестве портретиста, основная масса заказов приходила из Флоренции. Изысканный и утонченный характер его работ с элементами стилизации (обобщение изображений при помощи условных приемов - простота формы, цвета, объема) отличают его от остальных мастеров того времени. Современник Леонардо да Винчи и юного Микеланджело оставил яркий след в мировом искусстве («Рождение Венеры» (фото), «Весна», «Поклонение волхвов», «Венера и Марс», «Рождество» и т.д.). Его живопись искренняя и чуткая, а жизненный путь сложный и трагичный. Романтическое восприятие мира в юном возрасте сменилось мистицизмом и религиозной экзальтацией в зрелости. Последние годы жизни Сандро Боттичелли доживал в бедности и забвении.

Пьеро (Пьетро) делла Франческа (1420-1492)

Итальянский живописец и еще один представитель эпохи раннего Возрождения родом из Тосканы. Авторский стиль формировался под воздействием флорентийской школы живописи. Помимо таланта художника Пьеро делла Франческа имел выдающиеся способности в области математики, и последние годы жизни посвятил именно ей, пытаясь связать ее с высоким искусством. Результатом стали два научных трактата: «О перспективе в живописи» и «Книжица о пяти правильных телах». Его стиль отличает торжественность, гармония и благородство образов, композиционная уравновешенность, точные линии и построение, мягкая гамма красок. Пьеро делла Франческа обладал удивительным для того времени знанием технической стороны живописи и особенностей перспективы, чем заслужил высокий авторитет у современников. Наиболее известные работы: «История царицы Савской», «Бичевание Христа» (на фото), «Алтарь Монтефельтро» и пр.

Живопись высокого Возрождения

Если Проторенессанс и ранняя эпоха длились почти полтора столетия и век соответственно, то данный период охватывает всего несколько десятилетий (в Италии с 1500 по 1527 год). Это была яркая, ослепительная вспышка, подарившая миру целую плеяду великих, разносторонних и гениальных людей. Все отрасли искусства шли рука об руку, поэтому многие мастера - это еще и ученые, скульпторы, изобретатели, а не только художники эпохи Возрождения. Список велик, но вершину Ренессанса ознаменовало творчество Л. да Винчи, М. Буанаротти и Р. Санти.

Необыкновенный гений да Винчи

Пожалуй, это самая неординарная и выдающаяся личность в истории мировой художественной культуры. Он был человеком универсальным в полном смысле этого слова и обладал самыми разносторонними знаниями и талантами. Художник, скульптор, теоретик в области искусства, математик, архитектор, анатом, астроном, физик и инженер - все это о нем. Причем в каждой из областей Леонардо да Винчи (1452-1519) проявил себя как новатор. До настоящего времени дошло лишь 15 его картин, а также множество эскизов. Обладая потрясающей жизненной энергией и жаждой знаний, он был нетерпелив, его увлекал сам процесс познания. В совсем юном возрасте (20 лет) он получил квалификацию мастера Гильдии Святого Луки. Его самыми важнейшими произведениями стали фреска «Тайная вечеря», картины «Мона Лиза», «Мадонна Бенуа» (на фото выше), «Дама с горностаем» и т.д.

Портреты художников эпохи Возрождения - это редкость. Они предпочитали оставлять свои изображения на картинах с множеством лиц. Так, вокруг автопортрета да Винчи (на фото) по сей день не утихают споры. Выдвигаются версии о том, что он сделал его в возрасте 60 лет. По словам биографа, художника и писателя Вазари, умирал великий мастер на руках у своего близкого друга короля Франциска I в его замке Кло-Люсе.

Рафаэль Санти (1483-1520)

Художник и архитектор родом из Урбино. Его имя в искусстве неизменно связывают с представлением о возвышенной красоте и природной гармонии. За достаточно короткую жизнь (37 лет) он создал много известных на весь мир картин, фресок и портретов. Сюжеты, которые он изображал, очень разнообразны, но его всегда привлекал образ Богоматери. Абсолютно обоснованно Рафаэля называют «мастером Мадонн», особенно знамениты те, что написаны им в Риме. В Ватикане он работал с 1508 года и до конца жизни в должности официального художника при папском дворе.

Всесторонне одаренный, как и многие другие великие художники эпохи Возрождения, Рафаэль был еще и архитектором, а также занимался археологическими раскопками. Согласно одной из версий, последнее увлечение находится в прямой взаимосвязи с преждевременной кончиной. Предположительно, он заразился на раскопках римской лихорадкой. Похоронен великий мастер в Пантеоне. На фото его автопортрет.

Микеланджело Буоанарроти (1475-1564)

Долгий 70-летний этого человека был ярким, он оставил потомкам нетленные творения не только живописи, но и скульптуры. Как и другие великие художники эпохи Возрождения, Микеланджело жил во времена, полные исторических событий и потрясений. Его искусство - это прекрасная завершающая нота всего Ренессанса.

Мастер ставил скульптуру выше всех остальных искусств, но по воле судьбы стал выдающимся живописцем и архитектором. Самой масштабной и необыкновенной его работой является роспись (на фото) во дворце в Ватикане. Площадь фрески превышает 600 квадратных метров и содержит 300 фигур людей. Самая впечатляющая и знакомая - это сцена Страшного Суда.

Итальянские художники эпохи Возрождения обладали многогранными талантами. Так, мало кто знает, что Микеланджело был также прекрасным поэтом. Эта грань его гениальности в полной мере проявилась уже под конец жизни. Около 300 стихотворений сохранились до наших дней.

Живопись эпохи позднего Возрождения

Заключительный период охватывает временной промежуток с 1530 года по 1590-1620 годы. Согласно Британской энциклопедии, Ренессанс как исторический период закончился с падением Рима, произошедшем в 1527 г. Примерно в это же время в Южной Европе одержала победу Контрреформация. Католическое течение смотрело с опаской на всякое свободомыслие, в том числе воспевание красоты человеческого тела и воскрешение искусства античного периода - то есть всего того, что являлось столпами Ренессанса. Это вылилось в особое течение - маньеризм, характеризующееся утратой гармонии духовного и телесного, человека и природы. Но даже в этот сложный период некоторые известные художники эпохи Возрождения создавали свои шедевры. В их числе Антонио да Корреджо, (считается основоположником классицизма и палладианства) и Тициан.

Тициан Вечеллио (1488-1490 - 1676 годы)

Его по праву считают титаном эпохи Возрождения, наряду с Микеланджело, Рафаэлем и да Винчи. Еще до того как ему исполнилось 30 лет, за Тицианом закрепилась слава «короля живописцев и живописца королей». В основном художник писал картины на мифологические и библейские темы, к тому же, прославился как великолепный портретист. Современники считали, что быть запечатленным кистью великого мастера - значит обрести бессмертие. И это действительно так. Заказы к Тициану поступали от самых почитаемых и знатных особ: римские папы, короли, кардиналы и герцоги. Вот лишь немногие, наиболее известные, его работы: «Венера Урбинская», «Похищение Европы» (на фото), «Несение креста», «Коронование терновым венцом», «Мадонна Пезаро», «Женщина с зеркалом» и т.д.

Ничто не повторяется дважды. Эпоха Ренессанса подарила человечеству гениальных, неординарных личностей. Их имена вписаны в мировую историю искусства золотыми буквами. Архитекторы и скульпторы, писатели и художники эпохи Возрождения - список их очень велик. Мы коснулись лишь титанов, которые творили историю, несли миру идеи просвещения и гуманизма.

Живопись Раннего Возрождения появилась только в начале 1420-х годов. Начало ему было положено молодым гениальным художником по имени Мазаччо (1401--1428), которому был только 21 год, когда он написал в церкви Санта Мария Новелла фреску «Троица». Ко времени прихода Мазаччо в живопись основные требования Эпохи Возрождения к изобразительному искусству были сформированы и состояли в том, чтобы изображать новых людей верящих в силу человеческого разума, в свою власть над миром и предназначенных для реализации великих целей.

Мир Мазаччо - это не изображение конкретной повседневной действительности, а царство монументальной величественности. Фигуры Мазаччо -- это «одетые обнаженные», как у Донателло, и кажется, что их одежды сделаны из настоящей ткани. Архитектурный фон свидетельствует о том, что Мазаччо хорошо овладел сформулированными Брунеллески принципами нового зодчества и теорией научной перспективы. Впервые в истории искусства были получены все необходимые данные для того, чтобы измерить глубину написанного интерьера, начертить его план и в точности воспроизвести архитектурное сооружение в трех измерениях. Это самый ранний пример рационального построения пространства картины.

По-видимому, Мазаччо, как и Брунеллески, в этом видели символ того, что вселенная управляется божественным разумом. Изображенное на фреске помещение, перекрытое цилиндрическим сводом, представляет собой не просто нишу, а углубленное пространство, в котором фигуры при желании могут свободно передвигаться. Таким образом, в «Троице» Мазаччо, как и в более позднем рельефе Гиберти «История Иакова и Исава», изображенное пространство не зависит от фигур: они существуют в нем, но не создают его. Если убрать архитектурный фон, фигуры лишатся пространства.

Самую большую группу из числа дошедших до нас работ Мазаччо составляют фрески капеллы Бранкаччи в церкви Санта-Мария дель Кармине. Наиболее известная из них -- «Чудо со статиром». Она иллюстрирует традиционным методом, известным как «непрерывное повествование», историю, изложенную в евангелии от Матфея. В центре изображен Христос, приказывающий Петру поймать рыбу, в пасти которой он найдет статир (монету), чтобы заплатить сборщику пошлины; слева на заднем плане - Петр вынимает монету из пасти рыбы; справа - он отдает ее сборщику пошлины. Так как нижний край фрески находится почти в 14 футах (ок. 527 см) от пола, Мазаччо предполагал, что зритель будет смотреть непосредственно на центральную точку схода, находящуюся за головой Христа. Как ни странно, этот эффект достигается с необычайной легкостью. Оптическая иллюзия только в малой степени зависит от перспективы Брунеллески. Мазаччо воспользовался здесь такими же средствами, какие применяли Флемальский мастер и оба Ван Эйка. Он выбирает определенное направление потока света (который исходит справа, где расположено окно капеллы) и вводит воздушную перспективу, давая тончайшие градации тонов.

Мазаччо умер слишком молодым (ему было всего лишь 27 лет) и не успел создать своей «школы», а стиль его письма казался слишком смелым, чтобы его могли немедленно подхватить современники. Работы этих художников, выполненные в основном в традиции интернациональной готики, лишь только несут на себе отпечаток влияния Мазаччо.

В 1439 году во Флоренцию переезжает из Венеции талантливый художник Доменико Венециано. Его привлекал новаторский дух искусства Раннего Возрождения, и очень скоро он становится весьма значительным художником во Флоренции. Его «Мадонна и дитя со святыми» - один из наиболее ранних алтарных образов нового типа, известных как «sacra conversazione» (святая беседа) и получивших распространение с середины XV века. Иконография включает изображенную на фоне архитектуры мадонну на троне и стоящих по обе стороны от нее святых, которые могут вести беседу с ней, с воображаемым зрителем или между собой.

Перспективные построения Доменико выполнил не хуже своего предшественника, но вытянутые пропорции и использование цвета в архитектурном фоне уже не столь явно напоминают манеру Брунеллески. В его фигурах нет массивности, присущей фигурам Мазаччо, но они столь же гармоничны и исполнены чувства собственного достоинства. В стройных, мускулистых телах святых и в их ярко индивидуализированных, выразительных лицах чувствуется влияние Донателло.

Подобно Мазаччо, Доменико в своих работах придавал огромное значение цвету, и эта картина в равной степени замечательна и по колориту, и по композиции. Светлая тональность в гармонии розового, светло-зеленого и белого цветов, умело подчеркнутых пятнами красного, синего и желтого, примиряет декоративную яркость готического живописного произведения с требованиями пространственной перспективы и естественного освещения. Обычно персонажи «sacra conversazione» изображаются внутри помещения, но в данном случае действие происходит в своего рода лоджии (открытой галерее), залитой солнечным светом, струящимся справа, о чем мы можем судить по тени за фигурой мадонны. Поверхности архитектурного сооружения настолько сильно отражают свет, что даже затененные участки пронизаны цветом. Подобного светового эффекта достиг в одной из своих работ Мазаччо, и Доменико, безусловно, доводилось ее видеть. В этой «sacra conversazione» художник делает открытие, обращаясь к усложненной моделировке форм, что находится в полном соответствии с его изысканным чувством цвета. Влияние тонального решения этой картины можно заметить во флорентийской живописи второй половины XV в.

У Доменико Венециано был ученик Пьеро делла Франческа. В манере Пьеро, даже больше, чем в работах Доменико Венециано, нашли отражение идеи Мазаччо. Эту преданность основоположнику итальянской ренессансной живописи он сохранил на всю жизнь.

В период с 1446 по 1454 Пьеро создал стиль, который в основных чертах сохранился и в произведениях, относящихся уже к периоду его творческой зрелости. Для него характерны условность в изображении волос и глаз (знаменитые миндалевидные глаза, заимствованные у персонажей Доменико Венециано) и идеализация черт лица. Высокие фигуры построены по классическому канону пропорций Витрувия, но женские образы имеют удлиненные, слегка изогнутые шеи и высокие лбы - элементы позднеготического идеала красоты. В моделировке карнации Пьеро делла Франческа отдает предпочтение мягким тонам, плавным переходам в противоположность резким и темным теням, к которым прибегал в своих работах Мазаччо.

Наиболее впечатляющим достижением Пьеро является цикл росписей в церкви Сан-Франческо в Ареццо, над которыми он работал с 1452 по 1459 год. В этих многочисленных фресках представлена легенда о «животворящем кресте» (т. е. история креста, на котором был распят Христос). На одной из них изображена императрица Елена, мать Константина Великого, обнаружившая «животворящий крест» и два других креста, на которых рядом с Христом были распяты разбойники (кресты были спрятаны врагами веры). В левой части фрески показано, как кресты выкапывают из земли, а в правой - как силой «животворящего креста» возвращают к жизни умершего юношу.

После 1450 года флорентийский стиль стал развиваться в другом направлении. Об этом свидетельствует замечательная работа «Давид», выполненная Андреа дель Кастаньо незадолго до цикла фресок Пьеро делла Франческа в Ареццо. Изображение написано на кожаном щите, который не предполагалось использовать по назначению. На смену объемности и статичности пришло изысканное движение, которое передано и самой позой, и развевающимися на ветру волосами и одеждой. Моделировка фигуры декоративно уплощена, формы определены, главным образом, контурами, отчего изображение кажется не объемным, а рельефным.

На вилле Кардуччи Пандальфини в 1450 году художник создаёт серию портретов «Знаменитых мужчин и женщин» (ныне находятся в музее Кастаньо, Флоренция). Серия заказана в июне 1449. На ней изображены три Флорентийских военачальника, три знаменитых женщины и три поэта. После смерти заказчика вилла была продана в октябре 1451 года.

Еще один знаменитый художник эпохи раннего итальянского Возрождения Сандро Боттичелли работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, - «Весна» и «Рождение Венеры».

Динамично-линейный стиль стал преобладать во второй половине XV в. Кульминации он достиг в последней четверти века в искусстве Сандро Боттичелли (1444/450--1510), который вскоре стал любимым живописцем так называемого круга Медичи -- тех аристократов, литераторов, ученых и поэтов, которые составляли окружение Лоренцо Великолепного -- главы семейства Медичи и фактического правителя Флоренции. Для одного из членов этой группы и была написана самая знаменитая картина Боттичелли -- «Рождение Венеры».

Благодаря поверхностной моделировке и четкости контуров, изображение кажется барельефным, лишенным трехмерности. Художник не придает значение глубине пространства. Так, например, рощица в правой части холста выполняет роль своего рода декоративной ширмы. Фигуры кажутся бесплотными и невесомыми - даже касаясь земли, они словно плывут. Все это не согласуется с основополагающими принципами искусства Раннего Возрождения, но, тем не менее, полотно не выглядит средневековым. В нем ощущается наслаждение свободой движения, и при всей своей эфемерности тела обладают чувственной красотой.

Также в это время работали Пьеро ди Козимо, Доменико Гирландайо - один из ведущих флорентийских художников кватроченто, основатель художественной династии, которую продолжили его брат Давид и сын Ридольфо. Глава художественной мастерской, где подвизался юный Микеланджело.

В 1420-х годах флорентийские мастера начинают распространять принципы искусства Раннего Возрождения в городах Северной Италии - Венеции и Падуе. Но это встречало слабый отклик у местных художников, пока около 1450 года в их среде не появился молодой Андреа Мантенья. Вначале он учился в мастерской одного из падуанских художников, но решающую роль в его формировании сыграли работы флорентийских художников и, предположительно, общение с Донателло. После Мазаччо, Мантенья был наиболее значительным представителем живописи Раннего Возрождения.

Его гениальность проявилась очень рано, и уже в 17 лет он мог выполнять самостоятельные заказы. В последующее десятилетие Мантенья достиг творческой зрелости. Самое прославленное его творение - фрески в церкви Эремитани в Падуе, которые почти полностью погибли во время бомбардировки в годы второй мировой войны. Наиболее драматичная из них - «Шествие Св. Иакова на казнь», которая отличается необычным построением композиции (центральная точка схода перспективных линий находится в самом низу картины и несколько смещена от центра вправо). В результате этого архитектурный фон принимает угрожающие размеры, как в «Троице» Мазаччо. Огромная триумфальная арка, хотя и не является копией какого-либо известного римского памятника, даже в мельчайших деталях выглядит весьма достоверной.

Если Мантенья был мастером драматически острых композиций, то его живший в Венеции зять, Джованни Беллини проявил себя, прежде всего, как мастер света и цвета. Известность пришла к нему не сразу. Его лучшие картины, такие как «Экстаз Св. Франциска», были написаны на рубеже XV и XVI веков. Изображенный на этой картине святой настолько мал по сравнению с окружающим пейзажем, что кажется незначительным, и все же его мистический восторг перед красотой материального мира передается и нам. Сняв деревянные башмаки, он стоит босиком на святой земле. В работе Беллини контуры не столь жесткие, как у Мантеньи, цвета мягче, а свет ярче. Интерес Беллини к лирическому, наполненному светом пейзажу свидетельствует о влиянии великих нидерландских художников: в Венеции, имевшей прочные торговые связи с северными странами, работы этих художников вызывали неподдельное восхищение. Беллини, несомненно, был знаком с творениями нидерландских мастеров и разделял их внимательное и бережное отношение к малейшим деталям в изображении природы. В своей работе он придал нагромождению камней на переднем плане структурную ясность и твердость, словно изображал архитектурное сооружение в соответствии с законами научной перспективы.

Крупной работой художника является триптих из венецианской церкви Санта Мария деи Фрари. На нём художник изобразил в центре -- Мадонну с младенцем на троне, слева -- святых Николая и Петра, справа -- святых Марка и Бенедикта. На картине есть подпись художника и дата 1488 г.

Джованни Беллини оставил после себя более двухсот произведений -- картин и рисунков.

Рим, в котором долгое время не проявлялось никакого интереса к искусству, пока папская резиденция вынужденно находилась в Авиньоне, снова превратился в крупный центр меценатства. В конце XV века, когда папство опять обрело политическую власть на итальянской почве, преемники Св. Петра принялись украшать Ватикан и Рим, будучи уверенными, что памятники христианского Рима должны затмить сооружения языческого прошлого. Самым выдающимся произведением того времени стали росписи стен Сикстинской капеллы, выполненные около 1482 года. Среди художников, работавших над этим большим циклом сцен из Ветхого и Нового завета, были наиболее выдающиеся мастера Средней Италии, включая Боттичелли и Гирландайо, хотя эти фрески не являются их лучшими достижениями.

Однако, есть исключение: фреска «Передача ключей Св. Петру», исполненная Пьетро Перуджино (ок. 1450--1523), считается его лучшим произведением. Художник родился близ города Перуджа в Умбрии и был тесно связан с Флоренцией. В начале творческого пути он испытал сильное влияние Верроккьо, о чем можно судить по скульптурной уравновешенности и основательности фигур в его фреске. Строгая симметрия композиции придает сюжету особую значительность: авторитет Св. Петра - как первого папы, а также всех его преемников, основывается на вручении ему самим Иисусом Христом ключей от царства небесного. Среди присутствующих при этом торжественном событии людей художник изобразил нескольких своих современников, ярко индивидуализировав их лица. Поражает пространственная глубина росписи, где на заднем плане изображены две римские триумфальные арки, обрамляющие увенчанное куполом здание, в котором можно узнать идеальный храм, описанный Альберти в трактате «О зодчестве». В пространственной ясности, достигнутой математически точным построением перспективы, чувствуется влияние Пьеро делла Франчески, который выполнил много работ для умбрийских заказчиков, дал Перуджино ученика, который вскоре затмил своего учителя. Имя его -- Рафаэль, и ему было суждено стать непревзойденным классиком искусства Высокого Возрождения.

живопись возрождение итальянский флорентийский

Живопись эпохи Возрождения составляет золотой фонд не только европейского, но и мирового искусства. Период Ренессанса пришел на смену темному Средневековью, подчиненному до мозга костей церковным канонам, и предшествовал последующему Просвещению и Новому времени.

Исчислять продолжительность периода стоит в зависимости от страны. Эпоха культурного расцвета, как ее принято называть, началась в Италии в XIV в., а уже затем распространилась по всей Европе и достигла своего апогея к концу XV века. Историки делят данный период в искусстве на четыре этапа: Проторенессан, раннее, высокое и позднее Возрождение. Особую ценность и интерес представляет, безусловно, итальянская живопись эпохи Возрождения, однако не стоит упускать из внимания и французских, немецких, нидерландских мастеров. Именно о них в контексте временных периодов Ренессанса далее и пойдет речь в статье.

Проторенессанс

Период Проторенессанса длился со второй половины XIII в. по XIV в. Он тесно связан со Средневековьем, в поздний этап которого зародился. Проторенессанс является предшественником Возрождения и сочетает в себе византийские, романские и готические традиции. Раньше всего веяния новой эпохи проявились в скульптуре, а уже затем в живописи. Последняя была представлена двумя школами Сиены и Флоренции.

Главной фигурой периода был художник и архитектор Джотто ди Бондоне. Представитель флорентийской школы живописи стал реформатором. Он наметил путь, по которому она далее развивалась. Особенности живописи эпохи Возрождения берут начало именно в этот период. Принято считать, что у Джотто получилось преодолеть в своих работах общий для Византии и Италии стиль иконописи. Он сделал пространство не двухмерным, а трехмерным, используя для создания иллюзии глубины светотень. На фото картина «Поцелуй Иуды».

Представители флорентийской школы стояли у истоков эпохи Возрождения и делали все, чтобы вывести живопись из продолжительного средневекового застоя.

Период Проторенессанса разделился на две части: до и после его смерти. До 1337 года работают самые яркие мастера и происходят важнейшие открытия. После Италию накрывает эпидемия чумы.

Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

Раннее Возрождение охватывает период продолжительностью 80 лет: с 1420 г. по 1500 г. В это время оно еще не окончательно отходит от прошлых традиций и по-прежнему связано с искусством Средневековья. Однако уже чувствуется дыхание новых тенденций, мастера начинают чаще обращаться к элементам классической древности. В конечном итоге художники полностью бросают средневековый стиль и начинают смело пользоваться лучшими образцами античной культуры. Отметим, что процесс шел довольно медленно, шаг за шагом.

Яркие представители раннего Возрождения

Творчество итальянского художника Пьеро дела Франческа полностью принадлежит к периоду раннего Возрождения. Его произведения отличает благородство, величественная красота и гармония, точность перспективы, мягкая цветовая гамма, наполненная светом. В последние годы жизни помимо живописи он углубленно изучал математику и даже написал два собственных трактата. Его учеником был еще один известный живописец, Луки Синьорелли, а стиль отразился на работах многих умбрийских мастеров. На фото выше фрагмент фрески в церкви Сан Франческо в Ареццо «История царицы Савской».

Доменико Гирландайо - это еще один яркий представитель флорентийской школы живописи эпохи Возрождения раннего периода. Он являлся основателем известной художественной династии и главой мастерской, где начинал юный Микеланджело. Гирландайо был знаменитым и успешным мастером, занимавшимся не только фресковыми росписями (капелла Торнабуони, Сикстинская), но и станочной живописью («Поклонение волхвов», «Рождество», «Старик с внуком», «Портрет Джованны Торнабуони» - на фото ниже).

Высокое Возрождение

Данный период, в который произошло пышное развитие стиля, приходится на 1500-1527 гг. В это время происходит перемещение центра итальянского искусства в Рим из Флоренции. Связано это с восхождением на папский престол честолюбивого, предприимчивого Юлия II, который привлек к своему двору самых лучших художников Италии. Рим стал чем-то вроде Афин во времена Перикла и переживал невероятный подъем и строительный бум. При этом наблюдается гармония между отраслями искусства: скульптура, архитектура и живопись. Эпоха Возрождения объединила их. Они словно идут рука об руку, дополняя друг друга и взаимодействуя.

Античность изучается в период Высокого Возрождения более основательно и воспроизводится с максимальной точностью, строгостью и последовательностью. Достоинство и спокойствие заменяют кокетливую красоту, а средневековые традиции забываются совершенно. Вершину Ренессанса знаменует творчество трех величайших итальянских мастеров: Рафаэль Санти (картина «Донна Велата» на изображении выше), Микеланджело и Леонардо да Винчи («Мона Лиза» - на первом фото).

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение охватывает в Италии период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусствоведы и историки сводят произведения этого времени к общему знаменателю с большой долей условности. Южная Европа находилась под влиянием восторжествовавшей в ней Контрреформации, которая с большой опаской воспринимала всякое свободомыслие, в том числе и произошедшее воскрешение идеалов античности.

Во Флоренции наблюдалось доминирование маньеризма, характеризующегося надуманностью цветов и изломанными линиями. Впрочем в Парму, где трудился Корреджо, он добрался только после смерти мастера. Свой путь развития имела венецианская живопись эпохи Возрождения позднего периода. Работавшие там до 1570-х годов Палладио и Тициан являются его ярчайшими представителями. Их творчество не имело ничего общего с новыми веяниями в Риме и Флоренции.

Северное Возрождение

Данный термин используется для характеристики эпохи Возрождения во всей Европе, находившейся за пределами Италии в целом и в частности в германоязычных странах. Оно имеет ряд особенностей. Северное Возрождение не было однородным и в каждой стране характеризовалось специфическими чертами. Искусствоведы разделяют его на несколько направлений: французское, немецкое, нидерландское, испанское, польское, английское и т. д.

Пробуждение Европы шло двумя путями: развитие и распространение гуманистического светского мировоззрения, и развитие идей обновления религиозных традиций. Оба они соприкасались, иногда сливались, но в тоже время были антагонистами. Италия выбрала первый путь, а Северная Европа - второй.

На искусство севера, в т. ч. живопись, эпоха Возрождения практически не оказывала никакого влияния вплоть до 1450 г. С 1500 г. она распространилась по всему континенту, однако в некоторых местах влияние поздней готики сохранилось вплоть до наступления барокко.

Северное Возрождение характеризуется значительным влиянием готического стиля, менее пристальным вниманием к изучению античности и анатомии человека, детализированной и тщательной техникой письма. Важное идеологическое влияние на него оказала Реформация.

Французское Северное Возрождение

Наиболее близкой к итальянской является французская живопись. Эпоха Возрождения для культуры Франции стала важным этапом. В это время активно укрепляется монархия и буржуазные отношения, религиозные идеи Средневековья отходят на второй план, уступая место гуманистическим тенденциям. Представители: Франсуа Кенель, Жан Фуке (на фото фрагмент "Меленского диптиха" мастера), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Клуэ.

Немецкое и голландское Северное Возрождение

Выдающиеся работы Северного Возрождения созданы немецкими и фламандо-голландскими мастерами. Существенную роль в этих странах по-прежнему играла религия, и она сильно влияла на живопись. Эпоха Возрождения прошла в Нидерландах и Германии другим путем. В отличие от произведения итальянских мастеров художники этих стран человека не ставили в центр вселенной. На протяжении практически всего XV в. они изображали его в стиле готики: легким и бесплотным. Наиболее яркими представителями голландского Ренессанса являются Хуберт ван Эйк, Ян ван Эйк, Роберт Кампен, Гуго ван дер Гус, немецкого - Альберт Дюрер, Лукас Кранах старший, Ганс Гольбейн, Маттиас Грюневальд.

На фото автопортерет А. Дюрера 1498 г.

Несмотря на то что работы северных мастеров значительно отличаются от произведений итальянских живописцев, они в любом случае признаны бесценными экспонатами изобразительного искусства.

Живописи эпохи Возрождения, как и всей культуре в целом, свойственен светский характер, гуманизм и так называемый антропоцентризм, или, иными словами, первостепенный интерес к человеку и его деятельности. В этот период случился настоящий расцвет интереса к античному искусству, и произошло его возрождение. Эпоха подарила миру целую плеяду гениальных скульпторов, архитекторов, писателей, поэтов и художников. Никогда до этого и после культурный расцвет не носил столь массовый характер.